Historia del diseño gráfico en la década de los sesenta

Holanda

9 years Stedelijk museum Amsterdam, Willem Sandberg (1945-54)

Holland festival, Dick Elffers (1960)

El diseño holandés ha evolucionado durante el siglo XX. [1] El diseño se ha convertido en un tema en el que Holanda destaca a nivel internacional. El diseño holandés se caracteriza por su simplicidad y claridad. A menudo se describe como sorprendente, inteligente, práctico y con sentido del humor. Estas características son el resultado de la creatividad en una sociedad abierta y tolerante. [2] El funcionalismo ha sido la ideología predominante en el diseño holandés y funcionó bien con la actitud calvinista de los holandeses. A comienzos del siglo XX, Holanda se hizo conocida por las obras pertenecientes al movimiento De Stijl, con artistas como Mondrian y Rietveld. En la década de los 90 se desarrolló una nueva corriente artística. La funcionalidad del producto ya no era lo primordial, sino que tomó protagonismo el concepto tras el diseño.

Estados Unidos

El Pop Art se desarrolla a principios de los 60 en Inglaterra y en los EEUU como reacción a los ideales del Expresionismo Abstracto. Surge de la síntesis de la tradición realista y surrealista y por otro lado, elabora la expansión del Neo-Dada mediante la integración de collage, técnicas de assemblage y combine-painting. Está inspirado en el consumo de masas y la cultura popular. Cuestionó los preceptos del buen diseño y rechazó el movimiento moderno. El concepto del Pop Art no hace tanto énfasis en el al arte en sí, sino en las actitudes que lo conducen. Hace énfasis en la diversión, en el cambio, en la variedad, en la irreverencia y en la posibilidad de desechar los productos. El Pop Art es la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. [3]

En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.

El Pop Art, se caracteriza por utilizar los colores del arco iris, por las formas atrevidas, por el uso de plásticos. [4]

Marcel Duchamp representa con sus ready-made la otra fuente del Pop Art, es decir la fuente dadaísta que introduce la ironía. Lichlenstein y Warhol adoptaron sus imágenes a los medios de comunicación, mientras Dine y Oldenburg aplicaron técnicas pictóricas y expresionistas al material. Wesselman se decantó por el collage de elementos impresos y encontrados en la publicidad o en las basuras. Rosenquist dio prioridad a los carteles fragmentados en segmentos unidos con pintura. [5]

En 1968, The New York Times anunció la muerte del Pop Art, unos meses después los símbolos originales y el estilo de vida de esa era había desaparecido.

Inglaterra

El Pop Art inglés surgió a partir de una nueva conciencia de las manifestaciones de la época actual. El Pop Art inglés fue creada por gente joven con buena base cultural y que estaban en contra del arte establecido hasta el momento. [6]

A comienzos de los años cincuenta algunos artistas e intelectuales se dieron cuenta de que su cultura estaba cada vez más influenciada por los medios de masas, las tecnologías y los mecanismos civilizados, y que este proceso también estaba ligado a una apreciable consolidación del americanismo en Europa. Este cambio cultural ya no concordaba con el introvertido y expresivo estilo abstracto de la pasada generación de artistas en Inglaterra.

En 1952 surgió en Londres el “Independent Group” [7], un pequeño grupo de artistas, arquitectos y críticos. La temática de los actos era muy variada y estaban muy alejados de los intereses de la cultura establecida. Durante la segunda mitad de la década de los cincuenta y a primeros de los sesenta, jóvenes pintores del Royal College junto con Richard Smith y Joe Tilson, crearon un movimiento de mucha mayor cohesión . Los ingleses propagaron un arte agresivamente urbano y contemporáneo y asentaron sus posturas a través de un lenguaje sencillo que nació del impulso democrático que se agitaba en la mayor parte de su sociedad.

Los estudios del “Independent Group” sobre la cultura popular que culminaron en la publicación por vez primera del término “PopArt”. En 1962 el ArtPop había sido reconocido como un movimiento internacional . 
Un elemento fundamental del PopArt era el reconocimiento de que el artista se identificaba con la sociedad de los medios de masas, y lo temas generales eran la subcultura, la cultura popular, las imágenes de los medios de comunicación, las nuevas tecnologías, el diseño, la industria de consumo y la industria mecánica, así como las interrelaciones de estas manifestaciones y su influencia sobre el hombre.[8]

El Pop Art fue desarrollado por Richard Hamilton que fue el primer artista inglés que se separó por completo del expresionismo y del abstracto. Hamilton aúna en su figura la teoría y la praxis. En 1957 definió las cualidades de toda obra artística: ser popular, pasajera, de bajo coste, producida en masa, joven, ingeniosa, sexy, evasiva y atrayente; centrada en los objetos de consumo, con un particular énfasis en el automóvil. Eduardo Paolozzi, figura clave para el afianzamiento del pop en el Reino Unido. Trabaja, bajo la forma de assemblages, imágenes totémicas de la sociedad mecanicista. [9]

Suiza

En suiza, la irrupción de una generación de jóvenes diseñadores gráficos como Rosmarie Tissi que en 1964 rompió el esquema tradicional, realizando un anuncio de imágenes desalineadas dispuestas de forma intuitiva y aleatoria donde se dejan ver líneas de bordes discontinuos. [10] La no eliminación del estilo tipográfico internacional por parte de estos diseñadores no frenó la necesidad de evolucionar con respecto a este momento, tanto así, que un grupo buscó reinventarse buscando otros parámetros en el diseño tipográfico, dando como resultado la denominada tipografía de New Wave.

Fue así como en 1964, un joven llamado Wolfgang Weingart comenzó a cuestionar esta tipografía tan ordenada y refinada. Teniendo esta inquietud se dispuso a aplicar un estilo opuesto, caracterizado por un diseño alegre basado en la intuición, agregando efectos visuales que enriquecieran su gráfica, decidiendo con esto dar un paso más, incorporando a su repertorio en 1970 la técnica conocida como collage, transformándose en un innovador.

La gráfica suiza se hizo internacionalmente conocida en la década de 1950 por su enfoque neutral, objetivo y funcional. Josef Müller-Brockmann, una figura central en este movimiento, fue diseñador, profesor y autor de varios estudios importantes del diseño gráfico y la comunicación visual moderna.

Entre los diseñadores gráficos fueron Max Bill, Anton Stankowski y Hans Erni, fueron muy influyentes en la definición del estilo de Müller-Brockmann. Poco a poco los diseños se hicieron más abstractos y los espacios de color fueron manejados de manera equivalente a la pintura abstracta contemporánea.

Una segunda serie de carteles muestran un profundo interés de Müller-Brockmann, en el fotomontaje.

Francia

Antropometría, Yves Klein (1960)

Durante los años 50 en Francia dominaron las modalidades abstractas. “Fríos” contra “cálidos”, geométricos o cinéticos por un lado, líricos, informalistas por otro, se entregaban liderados por los críticos, a una verdadera guerra.

El año 1960 será testigo de una gran cantidad de acontecimientos o de exposiciones, a menudo espectaculares. Nouveau Realisme, movimiento perfectamente estructurado, fundado por Pierre Restany, son los nuevos enfoques perceptivos de la realidad. Una serie de exposiciones sucesivas hasta 1963, afirman al grupo como un conjunto de artistas que ponen en común objetos similares; cuenta incluso con una serie de manifiestos que definen en un plano teórico el alcance de esta agrupación. [11]

El Nouveau Realisme se escribe contracorriente de la estética dominante de la época. El producto por excelencia de la sociedad industrial, el objeto manufacturado, sigue siendo el elemento esencial del lenguaje nouveau realisme, utilizado con frecuencia, sobre todo porque, desechado, expresa el consumismo incontrolado de esta misma sociedad.

Mimmo Rotelia, inició en 1954 una trayectoria similar en la que dominan las imágenes cinematográficas de los estudios Cinecitta de Roma. Tinguely, que produce el movimiento en la escultura y con él, el sonido, el ruido, la participación activa del espectador, la autodestrucción de máquinas sabiamente elaboradas con este propósito, se erige con ese sentido, en paladín. La muerte de Yves Klein en Junio de 1962 interrumpirá las acciones del grupo, que se reunirá por última vez para celebrar su décimo aniversario en una gigantesca acción-espectáculo en Milán el 27 de noviembre de 1970, durante la cual Tinguely hará explotar su Vittoria, un falo dorado de ocho metros de altura, frente a la catedral de Milán.

[1] Ofis arhitekti, Barcelona: Editorial Gustavo Gill, S.L., España

[2] Work. R., 2G N.35Burkhalter Sumi, Barcelona: Editorial Gustavo Gill, S.L., España

[3] Gamonal J.V., revista de historia del arte, , Nº. 7, 2008 , págs. 213-234

[4] 4.Savage J., Sight & sound, Vol. 4, Nº 4, 1994 , págs. 11-12

[5] Gleen C.W., Arts Magazine, Nueva York, 1963, p.37-39 / 41-42

[6] 6.Livingstone, M., POP ART: A CONTINUING HISTORY, Londres, ED. THAMES AND HUDSON LTD, 2000, p. 153

[7] 7.Op. Cit. p. 153

[8] VV.AA., ARTE OBJETUAL LA RUPTURA DEL S. XX, p. 64

[9] Op. Cit. p. 154

[10] Calvera.A., De lo bello de las cosas, Editorial Gustavo Gill, España

[11] Colquhoun.A., La arquitectura moderna, Barcelona: editorial Gustavo Gill, SL, España

Autores

Carmen Martín Mico

Maddi Manchola

Macarena Albacete

Beatriz Gómez